Sebagian Perkembangan Gerakan Seni Amerika

Seni Asli Amerika

www.ace-clipart.comSebagian Perkembangan Gerakan Seni Amerika. Sebelum orang Eropa menjajah Amerika Utara, tradisi seni yang kaya dan kompleks berkembang di antara banyak suku asli yang telah mengembangkan kosa kata yang sangat bergaya yang menggunakan pola geometris kompleks dan digunakan di dekat abstrak bentuk yang membangkitkan alam dan melambangkan cerita leluhur dan mitologi. Objek-objek tersebut seringkali bermanfaat dan, pada saat yang sama, dijiwai dengan makna ritual. Namun, para penjajah yang baru tiba di Amerika Serikat Bagian Timur terutama memandang tradisi tersebut sebagai keingintahuan atau seni dan kerajinan, sementara bercita-cita untuk tradisi seni rupa dan nilai budaya Inggris. Seniman asli Amerika mengadaptasi bahan dan teknik baru yang dibawa oleh penjajah, termasuk sulaman bunga, manik-manik, dan kerajinan perak.

Pada saat yang sama, beberapa seniman pribumi mengembangkan gaya Eropa untuk menggambarkan subjek pribumi. David Cusick, seorang seniman Tuscarora, menerbitkan Sketches of Ancient History of the Six Nations pada tahun 1828, dan, bersama dengan saudaranya Dennis, seorang cat air, mendirikan Iroquois Realist School. Gerakan seni Pribumi Amerika pertama mencakup lebih dari 25 seniman Iroquois, yang menggunakan gambar, lukisan, dan seni grafis untuk secara realistis menggambarkan kepercayaan, sejarah, mode, dan gaya hidup suku mereka. Edmonia Lewis, dari Mississauga Ojibwe dan keturunan Afrika-Amerika, menjadi terkenal secara internasional karena patung Neoklasiknya, seperti The Death of Cleopatra (1876), yang dipamerkan di Centennial Exposition di Philadelphia. Pada awal 1900-an, seni Pribumi Amerika mulai mendapat perhatian nasional dan internasional. Kiowa Six, Spencer Asah, James Auchiah, Jack Hokeah, Stephen Mopope, Lois Smoky, dan Monroe Tsatoke, dirayakan untuk gambar Ledger mereka yang menggunakan garis tegas, bidang datar dengan warna berani. Kelompok ini dipamerkan pada Pameran Seni Internasional Pertama 1928 di Praha dan Venice Biennale pada tahun 1932.

Baca Juga: 4 Burung yang Namanya terdapat nama Amerika Beserta Ulasanya

Seni Rakyat

Banyak kesenian rakyat Amerika bersifat utilitarian, karena pahatan terutama merupakan boneka untuk kapal, baling-baling cuaca, dan batu nisan berukir, tetapi sulaman berbingkai dan lukisan beludru juga dibuat untuk dekorasi dinding. Pelukis rakyat Amerika awal disebut limners, dari istilah limning, yang berarti, “menguraikan dengan jelas, detail tajam”. Seringkali otodidak, limners melakukan perjalanan dari kota ke kota dan mencari nafkah dengan menawarkan melukis apa saja, dari tanda untuk pedagang lokal hingga peralatan pertanian dan kereta. Karena koloni mencerminkan nilai-nilai budaya Inggris yang memandang potret sebagai tanda status sosial, pelukis seni rupa seperti Henrietta Johnston kelahiran Prancis, yang beremigrasi ke Charleston, Carolina Selatan sekitar 1705, tertarik ke kota, sementara pembatas memungkinkan orang biasa. orang-orang di kota-kota kecil untuk dilukis potret mereka. Diwarnai dengan berani dan digarisbawahi tanpa pemodelan atau bayangan, penggambaran seni rakyat sering kali intim, menggambarkan pengasuh dengan beberapa objek yang memiliki signifikansi pribadi. Memulai karirnya sebagai limner, Edward Hicks menjadi terkenal karena The Peaceable Kingdom (1829-31), sebuah karya yang mengekspresikan nilai-nilai Quaker dalam gaya folk yang dinamis. Seni rakyat juga memanfaatkan tradisi Afrika Amerika; pada tahun 1880-an Harriet Powers, seorang mantan budak, mulai memamerkan selimutnya, menggambarkan narasi yang kuat dalam warna yang berani serta bentuk dan pola geometris.

Arsitektur Amerika Rumah

Setelah Perang Revolusi, ketika bangsa muda sedang membangun identitasnya, arsitektur Amerika awal mengambil dari arsitektur Inggris dan Neoklasik. Berdasarkan karya dan teori arsitek Venetian Renaissance, Andrea Palladio, Neoklasikisme adalah gaya arsitektur yang dominan di Eropa abad ke-18. Thomas Jefferson, presiden ketiga Amerika Serikat, juga seorang arsitek yang inovatif, dan desainnya untuk Monticello (1772-1809), rumahnya di Virginia, mencontohkan gaya Neoklasik, menggunakan serambi Palladian dengan empat kolom berwarna. Selama masa Kepresidenannya, idenya juga menginformasikan desain gedung Capitol AS Benjamin Henry Latrobe, meluncurkan apa yang kemudian dikenal sebagai gaya Federal, disukai untuk gedung-gedung resmi.

Berkembang sekitar tahun 1830 dalam konteks Neoklasikisme, arsitektur Beaux-Arts menolak formalitas Neoklasikisme untuk memasukkan unsur-unsur dari arsitektur Renaisans, Barok, dan Gotik Akhir. Di Amerika Serikat, gaya Beaux-Arts, yang dipimpin oleh Richard Morris Hunt, dikenal sebagai “Renaisans Amerika”, atau “Klasikisme Amerika”. Hunt secara aktif mempromosikan gaya populer, yang digunakan dalam desain rumah besar pribadi dan bangunan umum, termasuk Biltmore House (1889-95) yang dibangun untuk taipan George Vanderbilt. Pada abad ke-20, arsitek Beaux-Arts Amerika kembali ke desain yang kurang ornamen dan klasik, yang dicontohkan oleh Henry Bacon dan Monumen Lincoln milik Daniel Chester French (1914-22).

Dimulai pada tahun 1890 dan dipengaruhi oleh gerakan Seni dan Kerajinan Inggris dan Japonisme, gerakan Art Nouveau yang sangat berpengaruh menampilkan motif bunga yang organik dan mengalir. Arsitek Art Nouveau memandang bangunan, ruang interior, dan detailnya, sebagai satu kesatuan yang utuh. Louis Comfort Tiffany, Louis Sullivan, dan Frank Lloyd Wright dipengaruhi oleh Art Nouveau. Gedung Wainwright Sullivan (1891) menggunakan dekorasi dengan motif dekoratif daun seledri, tangkai hias, dan pintu masuk yang rumit. Motif arsitektur seperti itu menjadi populer untuk gedung pencakar langit dan gedung-gedung tinggi, seperti yang terlihat di Gedung Decker New York (1892). Kemudian, pada abad ke-20, Art Deco diadaptasi menjadi proyek Pekerjaan Umum dan bangunan ikonik seperti Gedung Chrysler milik William Van Alen (1930).

Mulai tahun 1914, Gaya Internasional menekankan penggunaan baja, kaca, dan beton. Muncul setelah Perang Dunia I dan dipandang mencerminkan zaman modern, bangunan ini sering digunakan untuk perumahan pascaperang. Arsitek Austria Richard Neutra dan RM Schindler memperkenalkan gaya tersebut ketika mereka pindah ke Amerika pada tahun 1910 dan bekerja dengan Frank Lloyd Wright. Meskipun keduanya menciptakan bangunan Bergaya Internasional yang terkenal, seperti yang dilihat oleh Neutra’s Lovell Health House (1929), estetika tidak benar-benar berkembang di Amerika Serikat sampai setelah Perang Dunia II, ketika ekspansi ekonomi menyebabkan ledakan pembangunan gedung pencakar langit. Arsitek terkemuka, termasuk Walter Gropius, Marcel Breuer, dan Ludwig Mies van der Rohe, datang ke Amerika Serikat pada periode pasca perang dan mengajar generasi baru arsitek Amerika, sambil merancang bangunan-bangunan terkenal. Mies misalnya, membangun Seagram Building (1954-58) di New York dan kampus Institut Teknologi Illinois di Chicago (selesai tahun 1956). Gaya Internasional, dengan tirai kaca dan konstruksi industrinya, juga digunakan untuk restoran cepat saji dan pompa bensin saat Amerika melakukan pembangunan antar negara bagian baru, yang menghubungkan negara itu dari pantai ke pantai.

Mulai tahun 1950, Brutalisme, juga disebut Brutalisme Baru, adalah gaya arsitektur masif yang terutama menggunakan beton pracetak yang belum selesai. Gaya ini menjadi populer untuk gedung kampus universitas, tempat pertunjukan seni, perpustakaan, gedung pemerintah, dan kantor perusahaan di seluruh Amerika Serikat. Paul Rudolph adalah pendukung utama gaya seperti yang terlihat di Gedung Seni dan Arsitektur Yale (1958). Karena antusiasme Amerika terhadap gaya tersebut, arsitek Eropa mengadopsi gaya tersebut di komisi utama mereka; Le Corbusier bersama Oscar Niemeyer, Wallace Harrison, dan Max Abramovitz merancang Markas Besar Perserikatan Bangsa-Bangsa (1948-52), dan Marcel Breuer bekerja dengan sejumlah tim arsitektur Amerika untuk merancang Balai Kota Boston (1963-68). Breuer dan Hamilton Smith’s Breuer Building (1966), rumah bagi Museum Seni Amerika Whitney dan kemudian menjadi Museum Metropolitan yang diperluas, juga merupakan desain Brutalis yang sedang tren.

Sekolah Sungai Hudson (1826-70)

Sekolah Sungai Hudson, dipimpin oleh Thomas Cole, yang lahir di Inggris tetapi beremigrasi ke Amerika Serikat ketika dia berusia tujuh belas tahun, adalah gerakan seni Amerika pertama yang diakui. Berpusat di negara bagian New York bagian atas, yang saat itu merupakan hutan belantara, para seniman yang terkait dengan gerakan tersebut menekankan keindahan lanskap Amerika yang luhur dan unik. Dipengaruhi oleh konsep Romantisisme tentang keagungan dan penekanan Naturalisme pada detail pengamatan yang tepat, lanskap Cole seperti Kaaterskill Upper Fall, Catskill Mountains (1825) dan Danau Dunlap dengan Pohon Mati (Catskill) (1825) menggambarkan pemandangan Amerika untuk membangkitkan kemungkinan tak terbatas dari yang baru bangsa.

Setelah kematian Cole pada tahun 1848, Asher B. Durand, yang dipengaruhi oleh Sekolah Barbizon Prancis, memimpin peralihan ke lukisan yang lebih naturalistik. Seniman Gereja Frederic Edwin, Albert Bierstadt, John Frederick Kensett, George Inness, dan Thomas Moran membentuk generasi kedua. Karya mereka menjadi sangat populer, karena pameran satu lukisan panorama dapat menarik ribuan pengunjung. Pada tahun 1860-an, saat Manifest Destiny dengan seruannya untuk pergi ke Barat menjadi kekuatan nasional yang dominan, Bierstadt dan Moran mengalihkan perhatian mereka ke panorama lanskap barat yang dramatis, dan, bersama dengan William Keith dan Thomas Hill, kadang-kadang disebut Sekolah Rocky Mountain. . Karya mereka juga menginspirasi dan menginformasikan gerakan untuk melestarikan keajaiban alam Amerika, termasuk Taman Yellowstone dan Grand Tetons. Atau, skala dan perasaan intim karya George Inness seperti The Delaware Valley (c. 1863), dan penggambaran cahaya yang dipantulkan oleh John Frederick Kensett pada badan air memainkan peran perintis dalam mengembangkan apa yang kemudian disebut 

Luminisme.

Luminism (1850-75)

Istilah Luminisme dikembangkan oleh sejarawan seni pada 1950-an untuk mengidentifikasi gaya yang berkembang dari tahun 1850-1870 di antara sejumlah pelukis lanskap Amerika. Mereka memanfaatkan sejumlah pengaruh, termasuk lukisan lanskap Zaman Keemasan Belanda, fotografi, dan lanskap bergenre George Harvey, William Sidney Mount, dan George Caleb Bingham. John Frederick Kensett, yang memimpin gerakan tersebut, menekankan lanskap itu sendiri, dengan sangat sedikit, jika ada, kehadiran manusia; dia fokus pada permainan cahaya dan atmosfer pada badan air, seperti yang terlihat dalam View of the Shrewsbury River, New Jersey (1859). Daripada menjelajahi pemandangan baru dan lanskap terjal, masing-masing Luminist dikaitkan dengan lokasi tertentu, saat seniman kembali ke adegan yang sama, melukis cahaya dan atmosfer yang berubah dari hari ke hari atau musim ke musim. Para Luminist, yang meliputi Kinsett, Fitz Henry Lane, Jasper Francis Cropsey, Sanford Robinson Gifford, dan Martin Johnson Heade, lebih menyukai karya intim berskala kecil yang menekankan persekutuan individu dengan alam, yang mencerminkan filosofi Transendentalisme Ralph Waldo Emerson dan Henry David Thoreau, yang berpendapat bahwa kebenaran spiritual terungkap dalam kontemplasi alam.

Baca Juga: Amerika Serikat dalam Nubuatan Alkitab

Tonalisme (1870-1915)

Tonalisme muncul pada awal tahun 1870-an dalam rangkaian Nocturnes karya James McNeill Whistler yang menekankan harmoni tonal, sering kali dalam warna hijau yang diredam, biru, dan gelap, untuk menggambarkan lanskap saat senja. Tentang karya-karya seperti Nocturne yang terkenal dan kontroversial dalam Black and Gold: The Falling Rocket (c. 1875), Whistler berkata, “A nocturne adalah pengaturan garis, bentuk, dan warna yang pertama,” tetapi dia juga merasa harmoni nada adalah padanan visual komposisi musik. Lahir di Amerika, Whistler menjalani sebagian besar hidupnya di Inggris di mana ia memainkan peran perintis dalam sejumlah gerakan, termasuk Japonisme, Gerakan Estetika, dan estetika Anglo-Jepang. Tonalis George Inness dan Albert Pinkham Ryder juga dipengaruhi oleh Sekolah Barbizon. Menggunakan warna emas dan coklat untuk menggambarkan lanskap saat matahari terbit atau terbenam, Inness menekankan ekspresi spiritual dalam karya-karya seperti Sunrise (1887), sementara Ryder sering memperkenalkan elemen naratif mitologis ke dalam lanskap misteriusnya yang merupakan pendahulu Simbolisme. Pada tahun 1899 Henry Ward Ranger mendirikan Old Lyme Colony di Connecticut, melihatnya sebagai “American Barbizon.” Generasi kedua Tonalis, termasuk Allen Butler Talcott, Henry Cook White, Bruce Crane, William Henry Howe, Louis Paul Dessar, dan Jules Turcas, bergabung dengan koloni artistik tersebut. Pada tahun 1903, Childe Hassam bergabung dengan koloni tersebut dan secara singkat mengambil gaya tersebut sebelum meninggalkannya untuk mendukung Impresionisme Amerika.

Impresionisme Amerika (1880-1920)

Impresionisme Amerika terutama terinspirasi dan dipengaruhi oleh Impresionis Perancis, termasuk Claude Monet, Pierre-August Renoir, dan Alfred Sisley, yang pertama kali dipamerkan bersama di Paris pada tahun 1874. Impresionisme Perancis mempengaruhi ekspatriat John Singer Sargent dan James McNeill Whistler, meskipun tidak ada yang sepenuhnya memeluk gerakan tersebut. Mary Cassatt menjadi Impresionis terkenal pertama di Amerika. Pindah ke Paris pada tahun 1866, ia berteman dekat dengan Edgar Degas dan berhubungan serta dipamerkan dengan banyak Impresionis terkemuka. Karya-karyanya, penuh warna cerah, sapuan kuas ekspresif, sering menggambarkan pertemuan yang akrab di lingkungan borjuis yang santai, serta banyak penggambaran ibu dan anak, dan sangat populer di Amerika Serikat. Pada tahun 1883, pameran Impresionis Perancis Monet, Renoir, Pissarro, dan Manet yang pertama di AS mempengaruhi seniman William Merritt Chase, Childe Hassam, dan Edmund C. Trabell. Sejumlah koloni seniman berkembang yang didedikasikan untuk Impresionisme Amerika berkembang di seluruh negeri.

Ashcan School (1900-15)

The Ashcan School adalah sekelompok seniman termasuk John Sloan, George Luks, Everett Shinn, dan William James Glackens, semua siswa Robert Henri, yang kemudian berlokasi di Philadelphia. Menggambar dari para ahli sebelumnya, termasuk Diego Velázquez, Francisco de Goya, dan kemudian Realis seperti Édouard Manet, kelompok tersebut menggunakan metode klasik untuk menciptakan pemandangan realistis dan berpasir dari kehidupan modern, kelas pekerja, atau apa yang disebut Henri “seni demi kehidupan. ” Setelah grup pindah ke New York City, generasi kedua seniman mengikuti, termasuk George Bellows, yang Disappointments of the Ash Can (1915) memberi nama gerakan itu. Pada tahun 1908, Edwin Lawson, Arthur B. Davies, dan Maurice Prendergast bergabung dengan kelompok inti, yang dikenal sebagai The Eight, karena mereka membentuk pameran mereka sendiri yang menentang sistem pameran juri yang saat itu dominan oleh National Academy of Design. Menggunakan sapuan kuas gerak dan palet warna gelap, subjek seniman yang tidak di idealisasi menyelaraskan mereka dengan sensibilitas modern yang inovatif, yang mempengaruhi gerakan Realisme Sosial di kemudian hari dan seniman Edward Hopper dan Ben Shahn. Sloan dan Henri juga mengajar dan mempengaruhi banyak seniman di Fourteenth Street School.

Fotografi: Pictorialism, Straight Photography, and Beyond (1902-Present)

Fotografi Modern, yang muncul dari eksplorasi ilmiah botani, arkeologi, dan gerakan, menggabungkan sejumlah gaya artistik. Piktorialisme adalah gerakan fotografi internasional yang menggunakan manipulasi kamar gelap, gambar komposit, adegan berpose dan dipentaskan, serta fokus kabur dan lembut untuk menekankan ekspresi individu. Dimulai di Inggris pada tahun 1840-an, pada pertengahan tahun 1880-an, gerakan piktorialisme telah menjadi gerakan yang berkembang pesat. Pada tahun 1902 di New York, Alfred Stieglitz dan Edward Steichen menganjurkan pentingnya fotografi dan meluncurkan jurnal Camera Work pada tahun 1903 dan The Little Galleries of the Photo-Secession pada tahun 1905.

Fotografi Lurus, yang menekankan pada teknologi kamera itu sendiri, menolak Pictorialism untuk mendukung gambar dengan fokus tajam yang kaya akan detail. Pada tahun 1907, Stieglitz dalam foto-fotonya seperti The Steerage mulai mengeksplorasi gambar “lurus” tanpa sebelumnya melakukan pose subjek atau penggunaan manipulasi kamar gelap selanjutnya. Dia memengaruhi sejumlah fotografer terkemuka dan dengan bersemangat mempromosikan karya Paul Strand dalam Camera Work edisi 1917. Banyak dari karya ini menggunakan bidikan close-up dengan pemotongan ketat untuk menekankan pola dan bentuk abstrak yang dekat, seperti yang terlihat dalam Strand’s Porch Shadows (1916). Fotografi Lurus menjadi tren dominan yang berlanjut hingga hari ini.

Penekanan pada pola dan bentuk abstrak mempengaruhi perkembangan Fotografi Abstrak, yang dimulai pada tahun 1916 dengan Vortograf Alvin Langdon Coburn (1916). Stieglitz menjulukinya sebagai “bintang termuda” dari grup Pemisahan Foto, dan Coburn mulai menjelajahi gambar-gambar abstrak sejak tahun 1912. Baik Paul Strand maupun Stieglitz juga akan mengeksplorasi abstraksi dekat.

Pada tahun 1931, Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams, dan Willard Van Dyke membentuk Grup f / 64 di San Francisco. Gerakan tersebut menekankan apa yang digambarkan Van Dyke sebagai “fotografi murni … yang didefinisikan sebagai tidak memiliki kualitas teknik, komposisi atau ide, turunan dari bentuk seni lainnya” dan melakukan debut publiknya dalam pameran tahun 1932 di Museum MH de Young. Meskipun banyak fotografer telah memulai karir mereka sebagai Pictorialists, mereka sekarang dengan tegas menolak penekanan gerakan pada efek “artistik” yang kabur, adegan yang disusun, dan manipulasi kamar gelap. Pokok bahasan mereka sering kali biasa dan sering diambil dari alam, karena Cunningham dikenal karena rangkaian bunga Magnolia miliknya, Weston karena gambarnya tentang lada hijau, Adams untuk gambarnya tentang Taman Yosemite. Grup f / 64, dan khususnya Weston dan Adams, juga merevitalisasi Fotografi Abstrak, yang muncul kembali pada tahun 1940-an dalam karya Minor White dan Aaron Siskind.

Synchromism (1912-24)

Synchromism menekankan lukisan abstrak yang terutama menggunakan skala warna untuk menciptakan “simfoni” visual, atau efek musik. Morgan Russell dan Stanton Macdonald-Wright, keduanya pemuda Amerika yang tinggal di Paris, mendirikan gerakan avant-garde pertama Amerika pada tahun 1912. Mereka mengadopsi teori warna Ernest Percyval-Tudor, seorang Kanada yang tinggal di Paris, yang percaya bahwa dua belas warna spektrum berhubungan dengan dua belas tangga tangga nada musik, dan Russell menciptakan nama untuk gerakan itu dengan menggabungkan “simfoni” dengan “krom”. Russell’s Synchromy in Green (1913) meluncurkan gerakan di Salon des Indépendants 1913 di Paris, di mana gerakan ini memengaruhi Lee Simonson, seorang desainer set teater modernis, dan John Edward Thompson yang kemudian dikenal sebagai “dekan seni Colorado” karena memperkenalkan modernis seni Colorado seni ke daerah tersebut.

Harlem Renaissance (1920 – awal 1940-an)

Istilah Harlem Renaissance mendefinisikan periode ketika musik, sastra, teater, lukisan, dan patung berkembang dalam budaya yang kaya dan dinamis di lingkungan Harlem di New York. Gerakan tersebut, yang dikenal dengan gaya yang beragam, merayakan “Negro Baru”, sebuah konsep yang dikemukakan oleh penulis Alain Locke yang menekankan rasa martabat Amerika Afrika yang baru, yang didirikan dalam persamaan hak dan terkait dengan tradisi budaya yang kaya di Afrika dan Mesir. Menyusul Migrasi Besar yang dimulai sekitar 1910 ketika banyak orang Afrika-Amerika meninggalkan negara bagian selatan untuk mendapatkan kesempatan dan kebebasan yang lebih besar di utara, komunitas yang dinamis berkembang di Harlem serta Chicago dan Philadelphia. Patung Meta Vaux Warrick, Ethiopia (1921) adalah pengaruh perintis awal, dan kesuksesan internasional seniman Afrika-Amerika sebelumnya Mary Edmonia Lewis dan Henry Ossawa Tanner menjadi model yang menentukan. Bekerja dalam berbagai gaya, seniman termasuk Aaron Douglas, Augusta Savage, Archibald J. Motley Jr. dan fotografer James Van Der Zee menjadi tokoh-tokoh terkemuka gerakan baru ini. Pekerjaan dan pengajaran mereka kemudian menginformasikan generasi berikutnya yang mencakup Jacob Lawrence, Beauford Delaney, dan William H. Johnson.

Free Clipart
0 Shares
Tweet
Share
Pin
Share